El Tiempo de la Imagen

La Mirada del Cine

2007-08-18T23:09:00.000-07:00

Al principio creo dios el viaje
y luego la duda,
y la nostalgia

Tres bobinas con la película olvidada de los Hermanos Manakia -primeros cinematógrafos griegos- son el objetivo y la escusa para que A, un director anónimo, se aventure en un viaje personal y cinéfilo, si lo hay, a través de Grecia y los Balcanes. No se trata solo de la búsqueda de unos rollos perdidos, sino de la búsqueda interior de un hombre por recuperar el recuerdo y la inocencia de la mirada, la esencia de mirar el mundo. Es un viaje de redescubrimiento personal tras un grial, que se dibuja para el artista en su mente y que busca en medio de (sus propias) ruinas.

El viaje se vuelve en cada estadío una muestra del alma regional balcánica, sin airear bandera, donde se muestran sus modos de vivir y amar, el comunismo vencido por el tiempo - con sus monumentos destronados emulando Ápolos enanos -, de sus modos de celebrar la vida, o sus recuerdos, a pesar y sobre las circunstancias, como la guerra. Pero también es un manifesto de amor al cine, en varios de sus personajes, cuidadores o creadores de la memoria colectiva que significa el celuloide, que se ven impelidos a regocijarse con las imágenes que capturan los momentos inmortalizándolos - acaso como un viejo cantar o poema -, y que celebran a su modo cada mirada que, al sumarse, forma lo que somos.

En cada instante de la cinta, me preguntaba, ¿Cómo la pudieron hacer en medio de la guerra? ¿Qué impulsó a Angelopoulos a esta reflexión? ¿Por qué está ahí para que la miremos? y ahora, ¿Por qué escribo de ella? No puedo ensayar una respuesta clara, pero se me ocurre citar una de las escenas, esa en la que en medio de la niebla se crea el arte: música, teatro, poesía, baile, y la gente de Sarajevo, a pesar de la guerra se puede acordar de vivir.

Solo que el cine, no necesita la niebla, sino la oscuridad, para que de ella salga a contarnos sus historias, esta noche, y las noches venideras. Gracias por recordármelo, Theo.

To Vlemma tou Odyssea. Ficción 176 min. - Alemania / Inglaterra / Grecia / Francia / Italia, 1995 - Dir. Theodoros Angelopoulos

Las horas de la noche: Días de seres salvajes

2007-01-26T18:43:00.000-08:00

Había una vez un pájaro que no tenía patas.
Que sólo podía volar y volar.
Cuando se cansaba,
dormía en el viento.
Este pájaro solo podía bajar una vez a tierra.
Y era cuando moría.

¿Cuánto de lo que hacemos marca el destino de los que nos rodea? En esta película cada personaje camina sólo, aunque este al lado de otro, acaso se cruzan, se conocen o se enamoran, todos están en el camino de alguien más para cambiarlo, regalando un momento que quizá uno, o los dos, o alguien más recuerde con añoranza después. Es que esta cinta está hecha de los pequeños momentos memorables de sus protagonistas. Momentos de los que sabemos se graban indelebeles en su ser, por sus propias voces en off...

Días para ser salvaje: la juventud, el momento en que no importa a donde vaya uno, siempre habrá tiempo, un mañana, un no se qué, qué da igual, pero al que se puede llegar. Como esos relojes perdidos en pasadizos humedos y oscuros, motivo recurrente de la cinte. Esa esencia no solo se siente en el deambular de Yuddy, sus novias o sus amigos, sino en la mirada de Wong Kar Wai, siempre sensible y exacto para el apunte; no se detiene en una historia, sino que abre la exploración para conocer personajes profundos y sentidos.

Siendo ésta su segunda película, ya tiene todos los elementos que más adelante potenciaría en In the mood for love: los 60's, el amor conflictuado, los claroscuros de una fotografía saturada, los boleros, el humo de los cigarrillos. Está todo ahí, y sin embargo, es su protogenia, todo es más exhuberante, como la selva de Macao, como la fuerza de la juventud. Sino perfecto, en su ánimo inflamado, muy recomendable.

Había un pájaro que se estiraba y volaba hasta que moría.
Nunca iba a ningún sitio.
Porque moría desde el principio.

A Fei jing juen (Days of being wild). Ficción 94 min. - Hong Kong, 1991 - Dir. Wong Kar Wai

La Corporación

2007-01-17T23:51:00.000-08:00

Por David Hoyos

La Corporación es un documental largo y un tanto tedioso, sin embargo es un film absolutamente necesario. Para aquellos vinculados o interesados en el bienestar del planeta y de nuestra especie será un postre, a quienes gusten de los documentales llenos de datos éste será un manjar.

El documental muestra todas las grandes responsabilidades que las corporaciones no asumen y como este hecho está afectando irreversiblemente la vida tal como la conocemos, deja la sensación de que nuestra increible capacidad para sentirnos inmortales o alejados de la realidad nos sume en la inacción. Conforme el film va desarrollándose nos damos cuenta cuanto hemos perdido de nuestras libertades, para empezar a asumir lo que las corporaciones nos imponen como nuestro modo de vida.

Muchos de ustedes seguro ya vieron la película (es la segunda vez que la veo) pero habría de preguntarnos cuanto hemos hecho de ese tiempo hasta ahora por revertir el proceso destructivo de estos grandes monstruos. Si somos capaces de tomarnos el trabajo de conseguir y ver este documental ya estariamos cometiendo un acto casi subersivo, al alimentar nuestra inteligencia y ejercitar la sensación de indignación ante hechos tan nefastos. En fin, es altamente recomendable y necesario.

The Corporation. Documental 145 min. - Canada, 2003 - Dir. Mark Achbar - Jennifer Abbott

Los riesgos de crecer

2007-01-15T23:41:00.000-08:00

La vida es alienante. A veces uno tiene que decidir entre lo que quiere y lo que tiene que hacer. A veces uno tiene que luchar contra la corriente. A veces uno tiene que buscar un motivo porque vivirse.

Uno ve pasar el tiempo donde soñaba con ser alguien, y cuando ve el espejo descubre que hay otra persona, una que no era quien se esperaba encontrar cuando tenia 15, 20 o 30 años. Gastón Fernández no se puede reconocer, ni reconocer a sus amigos. No tiene nada de que sostenerse, es un extraño en su propio mundo.

Esta, la primera película de Alberto Fuguet es una cinta nerviosa, elíptica, comtemplativa por momentos; donde el director no decide por un sólo apunte, un sólo registro o ritmo: juega con encuadres oblicuos donde la conversación se comprime con los personajes, donde se siente incomodos o se distiende en plano secuencia, permitiendo que los personajes se explayen en sus pensamientos; es decir la cinta duda, como duda Gastón (Luciano Cruz Coke), el protagonista. Salta del espacio de ficción a su realidad: del corto Las Hormigas Asesinas a los días de Gastón, delineando sus estados mentales. La cinta quiere huir como Gastón, que está al filo del encuadre añorando un tiempo que le fue más comodo, pero como el metraje de la película sabe que no podrá retroceder y que si no se acomoda no habrá final feliz, que no lo hay, solo un espacio abierto para construir, como los departamentos vacíos que vende Gastón para vivir. Fuguet reflexiona, en cierto metacine, donde al final, Gastón es la película, no sólo un personaje.

Se Arrienda no es una gran cinta. Es un buen comienzo. Es una película pequeña que por momento se puede volver entrañable y recordable si se ve en el momento justo. Es una película discreta, que tiene un gran valor: es honesta. Eso se agradece.

Se Arrienda. Ficción 109 min. - Chile, 2005 - Dir. Alberto Fuguet

2007-01-06T19:01:00.000-08:00

HERE'S JHONNY!!!

Un Nuevo Mundo

2006-10-03T01:15:00.000-07:00

El Nuevo Mundo recorre el mito de Pocahontas y el asentamiento del mundo americano (del país, no la tierra) en clave romántica; pero ese línea argumental nimia, es sólo el pretexto para explorar complejas nociones de la globalización y la tolerancia de manera subjetiva y, como acostumbra Malick, hasta filosófica y moral.

Así, se va conviertiendo el relato en un alegato que pretende tener alcance universal. Las impresiones en off de los personajes, van costruyendo un mundo, como el que se explora, en donde se es extranjero en función de ser minoría; y donde las equivalencias de los personajes se da a partir de las experiencias y las impresiones del otro; un "otro" presentado desde la óptica del que ve. Así los nativos serán salvajes o amables, tanto como los colonos. Al final es sólo el propio ser humano.

El largo aliento de la película no decae en interes, con una historia que se sostiene sobre la sorprendente actuación de Q'Orianka Kilcher. Esta es una cinta en la que cada imagen se apoya sobre la anterior, afectándose en un efecto hiperbólico, la imagen quiere decir, comentar, sugerir más allá del simple relato todo el tiempo. Son imagenes pensadas para ser sentidas, de una planificación estudiada, con sus encuadres y fragmentación milimétrica, color y ambientes estilizados y precisos, inteligemente utilizados, pero que llegan a saturar en algún momento.

Aun cuando pequé de didáctica y explicita en mostrar la arcadia precolombina, es una cinta profunda, hermosa y sentida. Actual en cuanto no podemos entender a quien es diferente, en cuanto nos separemos de la tierra, y en cuanto necesitamos cuestionarnos lo que vemos para entenderlo.

The New World. Ficción 135 min. - EEUU, 2005 - Dir. Terrence Malick

Eterno Resplandor de Una Mente Sin Recuerdos

2006-09-01T21:50:00.000-07:00

Por David Hoyos

Nuestros recuerdos, son a veces una salvación y otras una condena. Es imposible no tenerlos, en cualquier momento llegan a nosotros, una imagen, un apalabra, un olor, un lugar, un sonido nos remontan y traen como tormenta sentimientos pasados que todavía nos escarapelan la piel, nos hacen dudar o querer nunca haber vivido eso, entonces el olvido es tentador a pesar de ser casi imposible.

Esta obra de Michael Goundry, reconocido por su trabajo en video clips y spot publicitarios, plantea una alucinada historia que no llega a ser fantasiosa, una forma de olvidar todo aquello con lo que no puedes lidiar más. La película cuenta con buenas actuaciones y una buena labor de dirección de actores. Las reminiscencias del trabajo de Goundry como videasta se dejan ver en la concepción y edición del film pero están al servicio de film y ayudan en el desarrollo de la historia.

El amor y el desamor, la ilusión y la desilusión, la locura y la cautela, el arrojo y el arrepentimiento, una historia de amor concreto, de tonalidades contrastantes, pero nunca color rosa, como las que suceden todos los días, sin finales felices.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Ficción 108 min. - EEUU,2004 - Dir. Michael Gondry

Décimo Encuentro Latinoamericanode Cine PUCP "ELCINE"

2006-08-02T09:00:00.000-07:00

El, ya clásico, Encuentro de Cine Latinoamericano que organiza todos los años la Católica en Lima, ElCine, comienza este jueves 03 de agosto. Ya es el décimo. Este año, a diferencia de otros, podré asistir, así que estoy bastante contento por eso.

En esos días (del 03 al 13) no creo que postee algo por aquí, salvo que David se anime a hacerlo, lo cual sería muy bueno. Por ahora, los dejo con dos vinculos, uno de la página oficial del festival y el otro de Cinencuentro, blog (casi portal) en el cual participaré de la cobertura del evento.

Página Oficial de 10mo ElCine

Cinencuentro - Perú

Batman : Amor (Parte II)

2006-07-21T18:44:00.000-07:00

Almacén – Interior / Noche

El almacén esta lleno de cajas apiladas por doquier, se nota que el lugar ha sido abandonado hace un tiempo ya largo.

Batman se mueve sigilosamente, escucha pasos a lo lejos. Ve prenderse una luz en el otro extremo del almacén, él se dirige hacia allá. Encuentra una silla dándole la espalda. La voltea: Alfred, su mayordomo, está sentado ahí: muerto y con los labios cosidos.

Batman
Colérico

¡NO!

A lo lejos, se escucha una carcajada in crecendo, es la carcajada del Guasón. Batman sale a su encuentro.

Habitación cerrada – Interior / Noche

El cuarto está completamente a oscuras. Se percibe al fondo de ella, en claroscuro, una silla giratoria donde está sentado el Guasón riendo. Batman irrumpe violentamente en la habitación, voltea la silla. Batman lo golpea. El Guasón y la silla caen. Él está inmovilizado en una camisa de fuerza, y a la vez, atado a la silla. Batman se sorprende al verlo cautivo. Una sombra aparece tras Batman y lo noquea.

(continuará)

La Buena Vida

2006-07-20T15:03:00.000-07:00

Marcello Rubini (Marcello Mastroiani) es un escritor en ciernes, que vive fungiendo de periodista con relativo éxito. Pasa sus días rodeado de mujeres y fiestas, en una ambiente baladí, comisionado a perseguir celebridades o cubrir notas curiosas; debe debatirse entre la rutina y la vocación de escribir su propia novela.

Relatada en episodios inconexos o vagamente conectados, se va escamoteando el talante del protagonista, siempre con una cámara superficial, como quien no quiere atravesar la futilidad de las situaciones retratadas y descubrir tras el vacío al verdadero Marcello, que se deja ver pocas veces, en momentos de soledad o silencio. Nunca terminamos de entenderlo, pero Marcello se nos hace cercano relacionándose con sus mujeres (su histerica novia, su amante, la estrella veleidosa), con su padre o sus amigos (Steiner, Papparazzo), hasta el punto de sentir simpatía por un tipo a veces amoral, pero de carne y hueso.

No creo que pueda aportar nada nuevo al análisis de esta película hablando de su preciosa luz, sus textos inteligente y fluidos, su composición lateral o en profundidad, entre otras muchas virtudes. Todo eso lo han dicho ya antes y con más detenimiento de lo que yo pudiera expresarlo, otros. Solo me queda hablar desde la experiencia personal de quien también busca la creación como motivo y obra.

La Dolce Vita se convierte en un manifiesto de la lucha del artista o, seamos menos presuntuosos, el creador por hallar un espacio para su desarrollo, de la imposibilidad de un tiempo muerto para la reflexión en un mundo apurado y lleno de apariencias, de risas y juegos bacos. Fellini medita sobre estos aspectos, quizá por la propia experiencia. Después, nos deslumbrará con una historia sobre el proceso de parto creativo: 8½. Que será su victoria sobre ese mundo complicado y banal que ahora critica.

Porque como advierte Fellini mismo, al final de la fiesta, y de la cinta, uno puede quedar atrapado en esas redes como un pez deforme que mira el cielo esperando el último estertor de su agonía o vadear el río y entregarse a la creación. Todo es cuestión de decidirse.

La Dolce Vita. Ficción 180 min. - Italia / Francia, 1960 - Dir. Federico Fellini

Menú para el espíritu

2006-07-18T12:35:00.000-07:00

Refundida entre las tradicionales calles de Barranco, un pequeño local de toldo rojo y tímido farol anuncia en su pizarra, a media acera, un menú poco común. Es alimento para el espíritu. Cualquier parroquiano despistado podría confundir el recibidor y el pasadizo largo que termina en una boca oscura con algún restaurant extravagante o hechizo. ¡Qué raro local!

A pesar, de la barra del recibidor, no se vende tragos, ni piqueos, sino pines, revistas. Ahí se cobra la colaboración de ley (pueden decirle entrada, si quieren). El corredor a continuación, plagado de carteles, todos de cine, desembocan en una sala pequeña con butacas anacrónicas. Es El Cinematógrafo: un lugar casi mítico, siempre había escuchado de él, o lo había visto en el listín del periódico, pero nunca lo habia visitado. Es un ambiente pequeño, con aire de añoranza por el viejo cine, como sus butacas; o mejor dicho, por el viejo rito del cine: ese de ver y sentir. Acogedor, apacible, amable.

La oferta varía con el día: documentales, cine asiático, clásicos, películas peruanas, como para que el ojo no se engolosine, o se quede famélico, una dieta variada para que uno saboree de todos los manjares del orbe. Una propuesta interesante que enriquece una cartelera que nos acostumbra a popcorn y gaseosita light. De hecho, esa es una de las funciones importantes de un cineclub.

En esta primera (única, pero no última, espero) vez en El Cinematografo, vi ¿Donde está la casa de mi amigo? de Abbas Kiarostami, una película iraní sencillísima pero también muy poderosa. Tierna, alegre, solidaria, profunda. Me sentí bien de poder visionarla. Por ahora, no suelo viajar mucho a Lima, pero ya hay una escusa más para (volver a) ir.

Pd. Gracias a Rafo y Angie por compartir la aventura.

Buffalo ´66

2006-07-06T18:54:00.000-07:00

Nuestros padres, los amigos, el lugar donde vivimos, una mala o buena idea, una metida de pata, todo influye y tiene una consecuencia. Las cosas que vivimos nos marcan para siempre y puede parecer que determinan nuestro destino, sin embargo la vida es una sorpresa que nunca termina y nuestra voluntad es lo que colorea las calles por donde finalmente seguimos camino

Buffalo ´66 es una película de autor y eso se disfruta en el film. Vincent Gallo actua, escribe dirige y musicaliza esta opera prima que cuenta con un buen nivel de actuación de los protagonistas y aprovecha de manera muy simple pero bien lograda las posibilidades del lenguaje audio visual. Los personajes son mostrados a través de flash back y escenarios que complementan todo lo que no se dice de ellos y deja entender su estado actual, incluso permite entrar en los mundos propios con escenas que remarcan sus sueños, ideales perdidos o pequeños refugios a donde escapan.

La mayoría de las veces no queremos mostrarnos déviles, llorar lo sufrido o desenvainar nuestros odios, entonces preferimos ocultarnos juagando a que somos fuertes, alegres o extremadamente tolerantes. sin embargo suceden cosas en nuestra vida que definitivamente las marcan para siempre y talvez determinan nuestro destino, la cuestión está en elegir con cual de todas nos quedamos para seguir camino.

Buffalo ´66. Ficción 112 min. - USA, 1998 - Dir. Vincent Gallo

Batman : Amor (Parte I)

2006-06-21T22:45:00.000-07:00

Techos de la Ciudad Gótica - Exterior / Noche

Ciudad Gótica. Es una noche sombría, entre los callejones y las azoteas de la ciudad, avanza una sombra humana. Se desplaza deslizándose por los techos, columpiándose entre los edificios. La sombra se detiene sobre un techo y observa la ciudad. La sombra se perfila, se ve su figura: es Batman

Batman

En off

Esta última semana ha sido una pesadilla,
la ciudad es un infierno, más caótica que nunca.
No he tenido descanso…

Batman sigue avanzando por techos

Batman
En off
Una desgracia tras otra. Primero, desaparece Robin,
el Guasón escapa de nuevo, luego el comisionado acribillado.
Todo me conduce al Guasón, ese hijo de puta, pero...
no sé… algo más está sucediendo…

Corte a Título: Batman : Amor

Batman llega a un almacén y entra por una ventana

(Continuará)

Montmartre 15-40

2006-06-17T12:24:00.000-07:00

Aunque el cine más comercial generalmente busque sorprendernos con historias novedosas (sic), temáticas exóticas o innovadores efectos especiales; uno sabe, en el fondo, que las historias que nos cautivan son las más simples, porque son como la vida real. Digamos, por ejemplo, una historia de amor cualquiera, como la de Un Hombre y Una Mujer.

Ella trabaja de script en películas, él es un piloto de prueba de autos. Sus hijos que estudian en el mismo liceo, serán el pretexto para un encuentro casual y casi forzado. Pasarán de la conversación de ley al descubrimiento embelesado, luego a la ilusión y finalmente, al amor. No sin antes tener que enfrentar sus fantasmas y sus dudas, para quedar juntos por fin. Porque, para acierto de la cinta, la historia acaba cuando comienza, sin más porqués, sin más cómos.

Un Homme et Une Femme es una anécdota simple que se ve potenciada por el estilo de la narración: contemplativa pero nunca lenta, más cercana a adjetivos como "tierna" o "fresca", con actuaciones con sabor a improvisación sobre todo en la interactuación de los protagónicos (Jean-Louis Trintignant, Anouk Aimée) con los niños.

La película cambia de color de escena en escena: del blanco y negro, al color y al sepia, dotando de significados sutiles y sentimentales a cada fragmento del relato, resultando este artificio en una eficaz herramienta de comentario de la narración. Narración que salta al pasado y regresa, y que por momentos, se arma como un videoclip, aprovechando técnicas televisivas o documentales, para que el romance avance grácilmente hasta su final.

Párrafo aparte merece el iletrado conductor de esta pequeña historia: la magnífica música de Francis Lai, convertida ya en un soundtrack clásico y que en muchas secciones de la película toma un protagonismo inusual como en el caso de la Samba Saravan.

Ganadora de la Palma de Cannes y el Oscar a Película Extranjera en el 66, es una película que no defrauda y deja un halo de buena vibra, siempre. Y eso es lo más importante. Como para salir a pasear después de verla.

Un homme et une femme. Ficción 102 min. - Francia, 1966 - Dir. Claude Lelouch

Harry y Sally

2006-06-06T10:10:00.000-07:00

"Los hombres y las mujeres no pueden ser amigos porque la parte sexual siempre se pone de por medio" con esta máxima Harry Burns le aclara a Sally Albright su forma de ver las relaciones sociales entre sexos. Éste será, también, el punto de inicio de una larga historia de encuentros y desencuentros entre dos personas que a lo largo de más de una década con suerte se volverán amigos o algo más.

When Harry met Sally... es una comedia romántica que a estas alturas se ha vuelto un pequeño clásico del género por su honesto acercamiento a los yuppies de finales de los ochentas y a la relación de pareja en general. Tiene el logro de no aburrir en la repetición, la he visto más de un par de veces y reído por igual en cada oportunidad. Por momentos parece una pieza sacada de la cabeza del Allen de Annie Hall, con textos largos conversados al borde de una mesa con una frescura y chispa enorme, un score citadino y hasta jazzeado en algún momento, y por supuesto Nueva York como telón de fondo.

Por supuesto, esta historia no tendría forma de ser sin sus protagonistas: Billy Crystal como Harry,en un papel tras el cual ya sólo necesita dedicarse a presentar el Oscar; y Meg Ryan como una Sally a la que le aporta todos los tonos necesarios, hasta para que llegue literalmente al orgasmo. Ellos dos, con sus manías, depresiones e ilusiones, extraídas en gran parte del director Rob Reiner y la guionista Nora Ephron, son los pilares de esta cinta.

Cuando uno ve a Harry y Sally complicándose en pantalla, ya la película lo ha envuelto por completo. Porque si a uno nunca le ha pasado lo que a ellos, por lo menos alguna vez ha pensado lo que dicen y asiente. Y cuando termina la proyección, uno está riendo o suspirando, siempre con algo de cinismo, que no es más que un poco de conformidad ante esas historias de amor que se ven siempre o que contaban antaño en peliculas como Casablanca. Películas por las que también suspiran Harry y Sally.

When Harry met Sally. Ficción 96 min. - EEUU, 1989 - Dir. Rob Reiner

Hard Candy

2006-06-02T12:51:00.000-07:00

Heyly y Jeff, dos chateros, quedan en encontrarse en un café despues de 3 meses de "conocerse". ¿Suena familiar? Eso no estaría mal, si ella no tuviera 14 y él poco más de 30. Menos aún si al poco rato están en la casa Jeff tomándose unos tragos y por hacer una improvisada sesión de fotos. Parece que Jeff la pasará bien, pero Heyly tiene otros planes: pepearlo y practicarle una vasectomia casera...

Hard Candy es una historia inquitante, donde el juego sicológico va despellejando a sus protagonistas como cebollas, con inesperados descubrimientos que van densando, minuto a minuto, a unos personajes con los que uno nunca se identifica pero tampoco puede abandonar. La propuesta aquí es el cazador cazado. ¿Quién es el lobo y quién la caperucita?

La película mantiene el interés y el pulso en toda su duración, se acelera sólo en los momentos violentos, y se disipa y mantiene en las largas conversaciones, sin aburrir nunca. La educación en videoclips de su director, David Slade, tiene sus frutos. Tanto el uso de la música, sumamente medida, y del color son precisos. La cinta está saturada de verdes, rojos y blancos, que evocan irremediablemente a la fábula de la caperucita roja.

El ambiente claustrofóbico, con muchos primeros planos y cuerpos atrapados básicamente en la única locación que es la casa de Jeff, y las actuaciones conchudamente reales, sobre todo la de Ellen Page (Kitty Pride de X-men 3) hacen creíble una situación que por momentos linda con lo inverósimil por lo maquiavélico y terrible de la misma.

Inquietante, provocadora. No creo que nadie se pueda quedar tranquilo al verla. Uno aprieta los dientes (sino las piernas). Y más de uno se la pensará dos veces, la próxima vez que se le antoje bajar porno del Internet. Hard Candy es un caramelo amargo, difícil de digerir pero de todas maneras interesante.

Hard Candy. Ficción 103 min. - EEUU, 2005 - Dir. David Slade

Un Lugar en el Mundo

2006-05-25T03:03:00.000-07:00

Cuando vi por primera vez Martín (H), me quedé conversando con mi amigo Efraín hasta las 3 de la mañana. La película le había llegado de una manera directa y especial. Aun cuando a mí me había gustado mucho, no me enganchó a ese nivel personal. Conversamos mucho caminando por las calles, ya desoladas y llenas de neblina. La imagen de la lluvia en el televisor al final de la película aún está en mi cabeza, como la larga perorata de ese día.

Hoy, Un lugar en el Mundo me golpeó. Aparecían los créditos finales, mis ojos (y mi cabeza) viajaban por los senderos de la película y parte de mi mundo. Me mantenía de pie, escuchando el score final, mientras la gente salía de la sala, y yo reordenaba ideas. Hoy entiendo lo que me decía, o sentía Efraín. Aristaraín hace películas que escogen a uno, y solo uno, entre una multitud para decirle algo tan privado e intimo, que nadie puede sospechar.

La película es una historia simple, intima, de crecimiento (como la de H): una familia vive un autoexilio en la pampa argentina, tendrán que enfrentar el regresar a la capital o acomodarse. El hijo comienza a crecer, a enamorarse, a plantearse el futuro. Los padres: Luppi y Roth tratan de mantener el sueño de su utopia, son viejos luchadores sociales corridos de la dictadura gaucha, que han regresado y buscan un lugar.

Es una historia contada con la soltura de un academicismo austero, justo y funcional que hace lo necesario para que las situaciones se conformen e impacten por su propio contenido y no por cualquier artilugio externo. Personajes humanos reales (gigante Federico Luppi), aun cuando aveces muy mentales -con mucho rollo- que hablan con textos afilados, y cuya réplica supera, con la ironía o la desfachatez, a la frase anterior, sello de guión de Aristaraín.

Un Lugar... nunca es una película condecendiente ni como crítica ni como retrato de la sociedad campesina argetina, de la instucionalidad familiar, la iglesia o el manejo económico. Tampoco es una película fácil cuando resulta que te habla de tan cerca. De aca acabando, me voy a buscar un lugar. Me voy a buscar mi lugar.

Un Lugar en el Mundo. Ficción 120 min. - Argentina/España/Uruguay, 1992 - Dir. Adolfo Aristaraín

The Rocky Horror Picture Show

2006-05-21T16:43:00.000-07:00

Felizmente, nadie ha dictado que películas son de buen gusto y cuáles no, ni cuáles son recomendables y cuáles no. El Show de Horror de Rocky no es, digamos, buen gusto y estética, ni una pelicula que aprobarán tus abuelos o el nuevo crítico de cine Monseñor Cipriani. Pero es un buen vacilón (para sábado en la noche, antes que domingo por la tarde) con unas cuantas buenas canciones de rocanrol pop de los setentas.

La historia comienza así: a unos recien comprometidos Brad y Jannet (Susan Sarandon jovensísima) se les pincha una llanta en medio de una tormenta y tienen que ir a pedir auxilio al castillo del Dr. Frank-N-Furter, que resulta ser un travesti que celebra una convención de transilvanos, y que está por develar su última creación: Rocky Horror, su adonis personal que saciará sus lascivos deseos. Pero, como siempre, las cosas se irán complicando.

Extraña Comedia Musical de Ciencia Ficción de una liberalidad sexual divertida y desbordada. Influencia directa para Tim Burton, recordaba a su Novia Cádaver o Bettle Juice mientras veia el Horror Show, y de Peter Jackson y sus primeras peliculas, esas impresentables e imprescindibles donde formó estilo: Braindead o Bad Taste.

¿Y sirve de algo ver esta película? Pues además de pasar un buen rato, ya tengo una respuesta para quienes digan que Grease fue el "musical juvenil de los 70s". Y a ver sino me la pierdo cuando la monten nuevamente en el teatro

The Rocky Horror Picture Show. Ficción 100 min. - Inglaterra/EEUU, 1975 - Dir. Jim Sharman

Trainspotting

2006-05-14T13:50:00.000-07:00

Choose live

La vida es lo que escogemos hacer de ella

La búsqueda desesperada de sentirse vivo, de explorar las emociones y la frustación de no encontrar nada que nos satisfaga. Drogarse hasta el limite, matar, amar, huir, nada tiene sentido; una vida patética o una vida feliz ambas serán al fin y al cabo vacías si uno no responde a lo que en verdad es .

La película tiene metáforas visuales muy bien logradas, existe poesia en las imagnes , el guión nos va envolviendo en una historia que no deja de tener giros, el film está lleno de ironía e inteligencia, cuenta con una sencilla compocisión fotografica que se luce muy bien y el sound track ayuda a reforzar los sentimientos y emociones en los personajes.

Trainspotting muestra lo que podemos ser, que es estar en un lado o el otro. De alguna manera la exposición tan concreta de lo real nos hace pensar en algo más, en un espíritu sin genero sin tiempo, sin intención,un espiritu que viaja y que en algún momento elige vivir,para luego seguir su viaje, la narración en off, los pensamientos de renton son los que nos hacen sospechar esto y nos demuestran que todo es pasajero, un momento las cosas son y al otro ya no son más, pero el viaje continua, sigue su rumbo, corriendo de principio al sin fin.

Trainspotting. Ficción 102 min. - Escocia, 1996 - Dir. Danny Boyle

Requiem por un Sueño

2006-05-12T14:07:00.000-07:00

Los sueños mueren, se desvanecen, no existen más.

La sociedad, ese monstruo que todos hemos construido nos ha empujado a un estado donde somos zombis que buscan emociones, queremos desesperadamente vivir, pero somos incapaces de revertir este ciclo en que estamos inmersos y donde nada realmente tiene sentido.

Requiem por un Sueño logra transmitir sensaciones desde el inicio; la forma de presentar la historia te envuelve y te ahorca junto con los personajes. Las actuaciones convencen todas, pero resalta la de Ellen Burstyn (Sara Goldfarb) es “impresionante”. El manejo de la música es muy bueno, es un personaje a parte que te dice mucho y genera los ambientes perfectos para el desarrollo de la historia. La edición y fotografía resaltan en esta película también, pueden llegar a ser redundantes pero son congruentes con la propuesta audiovisual.

Constantemente el amor quiere surgir, pero los personajes son incapaces de amar, son débiles y están nublados; Todos buscan algo que perdieron y no lo pueden superar, no afrontan su existencia y se pierden en la locura, caen en el vacío y desaparecen, es fútil, están concientes de su desgracia pero no son capaces de hacer nada y se engañan a si mismos.

El ser humano esta consumido por su vanidad, sin motivaciones, sin metas, buscando la salida más fácil aunque esto lo destruya. La vida, el amor, el éxito, el reconocimiento, la conquista de uno mismo, son todos sueños muertos.

Requiem por un sueño. Ficción 102 min. - USA, 2000 - Dir. Darren Aronofsky

La Sueca Curiosa

2006-05-04T16:15:00.000-07:00

Si uno piensa en Suecia, se acuerda del Sol de Medianoche, de sus mujeres blanquísimas, de Estocolmo o de su monarquía. En el cine, de los Bergman, realezas del celuloide, Ingrid e Ingmar, que ni primos ni conocidos, se hicieron famosos casi a la par. Pero nunca escucha de Vilgot Sjöman y sus dos versiones de Soy Curiosa, nunca.

Soy Curiosa es un proyecto extraño, mezcla la ficción con entrevistas documentales a gente por la calle y con la propia filmación de la ficción, desdibuja los límites de la realidad, subvierte los géneros cinematográficos, uno no sabe que está guionizado, que improvisado y que recogido sin planificar. Y para colmo, viene en dos versiones: Azul y Amarillo, como la bandera sueca, aunque en realidad las cintas son a blanco y negro.

Las dos versiones no son diferentes ediciones de la misma película, sino dos visiones complementarias de la misma historia: Lena, protagonista, actriz-personaje, es una joven que busca respuestas (ahí la curiosidad) a los problemas de su sociedad (Suecia a finales de los 60), cuestiona su vida familiar, su sexualidad y sus relaciones amicales. En este proceso se enreda con Börje, actor-personaje, y con Vilgot, el director-personaje; para emprende un viaje por la Suecia rural o explorar su interioridad en una casa de campo. La complejidad de la historia y sus capas me dificulta hacer una sinopsis más detallada sin arruinar el visionado de los films, lo siento.

Diremos, mas bien, que mientras la versión Amarilla explora los recodos sentimentales de la ficción y establece los derroteros de la investigación documental, como dibujando las líneas (de la bandera) que recorrerá todo el discurso de la obra; la Azul se expande como el área de la bandera, viajando por una Suecia sin noche, criticando siempre con ironía, candidez y frescura las instituciones suecas: la iglesia, la democracía, las carceles y la apatía y sexualidad del ciudadano.

El director convierte este díptico con sus críticas y preguntas en un documento político personal, lleno de los aires de su tiempo -no violencia, libertad sexual, democracia y socialismo, lucha de clases- y en una reflexión sobre el cine, sobretodo en la versión azul, donde sin llegar a ser el Fellini de 8 y medio, muestra parte del proceso interior de creación y el de la filmación.

Sin ser una gran película, es un experimento interesante, un referente de juegos de realidad-ficción y una lectura de la sociedad sueca, aun vigente.

Para los que consigan las películas o tengan la curiosidad de verlas, la recomendación es visionarlas en el orden Amarillo - Azul. ¿Y tú, estás curioso?

Jag är nyfiken - en film i gult. Ficción 121 min. - Suecia, 1967 - Dir. Vilgot Sjöman
Jag är nyfiken - en film i blått. Ficción 107 min. - Suecia, 1968 - Dir. Vilgot Sjöman

Tropicalmente Moderno

2006-04-24T22:15:00.000-07:00

Bitácora personal de un retorno, Vacances au Pays (Vacaciones en el Pueblo) muestra el viaje de regreso, luego de 30 años, de un joven camerunes a su tierra natal, lugar donde pasaba los veranos acompañando a sus abuelos. El viaje comenzará en Yaounde, gran urbe, e ira mostrando el trancurrir del mismo hasta Bandjoun, el terruño último del director/narrador.

Reflexivo, e irónico por momentos, va mostrando el cambio: la mutación tradición - modernidad de la ciudad y sus caoticas consecuencias. Comenzando por su liceo, otrora el mejor colegio de la región, ahora abandonado sin políticas adecuadas. La palabra y la memoria se confrontan con la imagen y el testimonio, ese será el patrón en adelante. El lugar donde le enseñaron el desdén por sus raíces y a abrazar la cultura occidental está abandonado, como su creencia en ese sistema. Él parte, así, a un reconocimiento personal de su propia ideología y cultura.

Su viaje es tan caótico como uno que se pudiera realizar a un pueblo de la serranía peruana (otra vez, el parecido me aterra) con camiones atiborrados de gente y cosechas, pistas abandonas y problemas de desarrollo por doquier: A un pueblo le llega la carretera pero no el agua potable; mientras al pueblo vecino es a viceversa, y no hay como arreglar el disparate.

El desarrollo es uno de los temas centrales, con frecuencia se cuestiona sus modelos, generalmente adaptados del coloniaje occidental. Modelos que resultan inadecuados y fallidos, y que tilda de retrogrado y arcaico todo rasgo cultural ancestral. Pues, para desarrollarse parece que tendrán que olvidarse de quienes son para que sólo unos (los oportunistas) se beneficien, mientras los demás se quedan en la miseria. "Eso es ser Tropicalmente Moderno", dice el narrador. Totalmente de acuerdo.

Vacances au Pays. Documental 75 min. - Camerún, 2000 - Dir. Jean-Marie Téno

Shane

2006-04-23T18:30:00.000-07:00

Si vives en el viejo oeste, tendrías una educación práctica en arriar vaca y usar el lazo, pero nada de mate o historia. Escucharías, talvez, de Washington o el General Custer, pero nunca tendrías un heroe de verdad, salvo que llegue a tu casa un pistolero. Y eso, es lo que justamente le sucede a Joey y su familia, llega fortuito y salvador: Shane.

Raíces Profundas, como se le conoce en español, cuenta la historia de unos colonos que son hostigados para abandonar sus tierras por un hacendado, pero llega un forastero de buen corazón a ayudarlos. Es el antecesor directo de Pale Rider de Clint Eastwood, este último, film superior: más lucido, incidioso y penetrante en el retrato de los personajes. Shane, en ese sentido, se ve afectada por la censura de su tiempo (1953) - algunas situaciones apenas son insinuadas, como el gusto de la madre de Joey por Shane; situaciones que son habladas, pero nunca mostradas o sugeridas de pleno - y por su tratamiento alejado, casi pictórico (no existe un solo close up cerrado en la cinta).

A pesar de ello, le saca provecho y brillo a la relación del protagónico con el pequeño que lo idoliza, siguiéndole y pidiéndole que le enseñe a disparar. En ella se muestra esa idealización de la violencia que permitirá a los EEUU formarse como nación hegemónica y de la que Hollywood (y el cine) no ha sido ajena. Aun cuando al final, el pistolero de un discurso de paz y tengo que seguir su camino.

La fotografía del film es explotada no sólo en los paisajes y madrugadas celestes, sino también en los vestuarios: Shane viste de beige o de campesino, y su nemesis (un Jack Palance, jovensísimo) completamente de negro cargado con dos revólveres todo el tiempo. Los contrastes se tranfieren, así, de la lucha entre los colonos y el poderoso, a las imágenes.

Película sosegada, tiene apenas cuatro escenas violentas, pero no por ello es menos intensa, y apesar de su candidez, es un western de aquellos, como le gustaban a nuestros abuelos.

Shane. Ficción 118 min. - EEUU, 1953 - Dir. George Stevens

Los Siete Cabrones

2006-04-17T22:20:00.000-07:00

Uno a uno, diferentes niños van saliendo de cajas, como las que se usan para criar conejos. No están jugando a las escondidas, esas son sus camas, sus dormitorios. Con esta sobrecogedora imagen comienza este documental sobre niños de la calle. Uno a uno se presentan, el último termina diciendo "nuestra banda se llama 'los siete cabrones', porque si nos tocas la nariz, atacamos"

"Polvos de la Ciudad" habla de niños en situaciones precarias, expuestos a violencia, hambre, degradación sexual. Pero, que también, en medio de esa pobreza logran enlazar amistades, pequeñas tribus que se cuidan para sobrevivir. La cinta muestra calles con combis multicolor, gente que se pasa de largo cuando los niños les mendingan un pan o unos centavos. En el documental uno no sabría si lo que ve es Lima o alguna otra ciudad, se presenta un espejismo intolerable, salvo porque toda la gente en el documental es negra. No lo he dicho aun, este trabajo es senegales, pero sus imagenes son muy proximas a nuestras urbes.

Si bien de confección simple y resolución clásica: todos los niños vuelven a casa de sus padres, padres apáticos y afectados por la cámara que los compromete; deja el mal sabor de saber que la pobreza de a diario está tan cercana como generalizada, y eso si jode de verdad.

Poussières de Ville. Documental 51 min. - Senegal, 2001 - Dir. Moussa Touré

magnolia

2006-04-17T11:02:00.000-07:00

Sómos el resultado de nuestros actos y nuestra existencia es lo que hacemos de ella.

"Las cosas pasan" y la vida no se detiene. En la película las situaciones se repiten, los personajes comenten los mismos errores, se aislan, están encerrados en si mismos, en el trabajo, en los sueños frustrados, la mentira y la culpa. Han creado círculos viciosos que los llevan a situaciones límites y parece que "así va ha ser hasta que te des cuenta"

Magnolia cuenta con un buen reparto que sabe responder a las exigencias del film. La cámara, montaje y música son un símbolo de lo inevitable, constante y armonioso. Además la banda sonora, interpretada por amiee mann (si pueden consíganla) sirve como refuerzo para comunicar lo que quiere el autor.

Es una historia de casualidades, de hechos cotidianos y milagrosos que están ahi y no los vemos: El amor, la muerte, la soledad, el perdón, la divinidad, la esperanza y la oportunidad de comenzar otra vez. Magnolia trata de mostrar estas cosas y sugiere que en la vida lo mejor que se puede hacer es rendirse a ella.

Magnolia. Ficción 188 min. - USA, 1999 - Dir. Paul Thomas Anderson

Dos horas con Cleo

2006-04-15T02:02:00.000-07:00

Cleo es caprichosa, mimada, superticiosa, frágil, bella, voluble, amable, sincera, al cabo mujer. Cleo es Cleo, pero se llama Florence en realidad. Durante hora y media la seguimos por la ciudad, mientras espera los resultado de unos análisis clínicos tras una lectura de tarot... Cleo se preocupa, se enternece, se enoja, se desepera y espera.

Sindicada en la Nueva Ola Francesa, Agnès Varda y su película se dedica a la observación de sus personajes, de Paris y sus costumbres, sus espacios y sus usos. Gusto de observar que Varda usará después en sus documentales sobre "los recogedores". La cámara a momentos nerviosa, a momentos laxa, contemplativa o juguetona sigue a los personajes y habitantes de la ciudad. Pero Cleo... es además el espacio de reconocimiento de las varias facetas de la protagonista, como mujer, amante, artista (es cantante), amiga. En un momento ella dice "Mil mujeres habitan en mí". Es en esta exploración personal, busqueda de respuestas íntima, que la cinta crea sus símbolos: espejos, angeles, gatos, sapos; y crea sus recorridos: el metro, el taxi, el cine, la casa, el bus.

Entonces Cleo se convierte en una pequeña Ulyses joyciana, sus nimiedades se convierten en la referencia de una humanidad más amplia, sobretodo femenina, que busca seguridad y respuestas para sus miedos y dudas, a la muerte y al amor. Es pues el viaje del oscurantismo superchero a la iluminación personal; y todo en menos de dos horas, total uno no sabe cuando la verdad le está por llegar.

Cléo de 5 á 7. Ficción 90 min. - Francia/Italia, 1961 - Dir. Agnès Varda

Irreversible

2006-04-14T18:45:00.000-07:00

“El tiempo lo destruye todo”

Nada sabemos de lo que puede ser u ocurrir, un minuto antes o un minuto después puede definir por completo lo que sigue en el camino. Tomamos decisiones y actuamos a ciegas, todo parece llevarnos a ese lugar donde irremediablemente nos espera lo inesperado.

Irrversible tiene un tratamiento conectado con el concepto de la historia. Desde los créditos, narración en reversa, presencia de música y sonido, hasta los planos secuencia que permiten al actor tener libertad más de estar que actuar.

El film muestra un quiebre inexplicable en la vida de distintos personajes, tal vez la realización de lo que llamamos destino. Lo que pasa parece no tener una razón, es simplemente la continuación de hechos incontrolables e irreversibles.

En la película la vida quiere nacer y una vez presente empieza inevitablemente la muerte.

Irreversible. Ficción 90 min. - Francia, 2002 - Dir. Gaspar Noé

12 monos

2006-04-11T13:40:00.000-07:00

Esta es una película confusa, el tiempo se quiebra, la irrealidad esquizofrénica y la realidad racional cambian de lugar y se mezclan, el símbolo de cordura se vuelve loco y a la locura se le termina dando la razón, se la ve tierna, aguerrida, romántica y necesaria.

Es un film bueno, la cámara hace lo necesario para diferenciar realidades, lo mismo el color, sólo los personajes y decorados alcanzan límites caricaturescos que ayudan a crear un ambiente perfecto para la historia. Los Actores logran buenas interpretaciones que le dan credibilidad a un planteamiento totalmente ilógico.

Pero lo que me deja doce monos es otra cosa, algo que está en la historia pero escapa del argumento, es la busqueda de un objetivo, la entrega total por lograr lo que se desea, los personajes principales de esta historia quieren algo (salvar a los animales y salvar a la humanidad) y van en su busqueda hasta el final y así el tiempo pase para uno o se quiebre para el otro, siempre están en busqueda de eso que quieren, nunca desisten y me convencen de que hay que estar realmente loco para hacer eso. Solamente cuando uno empieza a dudar de si mismo, a razonar es cuando empieza a quebrarse y se vuelve débil.

Doce Monos puede tener muchas lecturas, es una historia de amor, de suspenso, de ficción, es divertida, social, intrigante y alucinada.

12 monos. Ficción 130 min. - EEUU, 1995 - Dir. Terry Gilliam

Pat Garret & Billy The Kid

2006-04-06T23:30:00.000-07:00

En un lugar donde la sangre es más roja que la sangre. Los hombres pueden vivir de poca cosa, dejando una estela de polvo detrás de sí. El amor suele ser tan físico y pueril que es una plegaria a Dios (oh jesus). Ahí, los amigos tiran cartas, bebeb whisky y cruzan los dedos para no tener que dispararse entre sí. Porque en lugares así aun queda honor...

Pat Garret & Billy The Kid es un western triste, diría que es un ocaso perpetuo. Todos los personajes tienen los días contados, todos cargan con sinos negros. Mientras les llega la hora se acomodan como pueden, disfrutan de los pocos placeres que hay: las mujeres, el alcohol, la amistad. Pero, el tiempo ha pasado, les ha pasado por encima, ya no hay lugar para ellos, todo se acomoda a los intereses del poder, hoy uno es sheriff, el otro forajido; pocos años antes era al reves; y antes aún eran amigos, camaradas.

Pero la película irradía una melancolía tranquila. Los colores son opacos, polvorosos, grises, pero no da pena, solo te estas quieto como esperando el final. El culpable no es otro que Bob Dylan, que además de tener un papel (calzado para él), ha compuesto la banda sonora de este requiem.

El western estaba muriendo (1973) y está película habla de eso, Peckinpah escribe su película más sentida sobre el oeste y los mitos que vivieron en esa tierra. Mitos que viven y mueren a balazos pero que perviven en el imaginario, uno de sus personajes le dice a Billy, luego de un duelo, mientras agoniza "Aunque sea, sé que hablarán de mí". Cuando uno se va muriendo, sabe que está tocando la puerta del cielo...

Pat Garret & Billy The Kid. Ficción 115 min. EEUU, 1973 - Dir. Sam Peckimpah

El Estado de las Cosas (El Miedo)

2006-04-02T19:00:00.000-07:00

Uno piensa que conoce el Perú porque terminó su secundaria pasando Historia con 14, o porque se fue al Cuzco y conoció MachuPicchu, porque orgullosamente ha ojeado La Historia de Basadre o paga sus impuestos. Nada. Uno se equivoca.

Nadie conoce el Perú porque sólo conoce sus propias, particulares circunstancias. No sabemos del dolor del vecino, por ello es que cada cierto tiempo necesitamos una mirada amplia de lo peruano. State of Fear (Estado de Miedo) lo logra en buena medida, recordandonos los que ha sido los últimos 25 años del Perú, un cuarto siglo: Violencia, Terrorismo, Desinstucionalidad, Corrupción, Caos y Violencia (otra vez).

El Perú es un país fragmentado donde los que tienen, no nos/se preocupan por los que no tienen. Es un lugar donde la democracia no funciona para esa mitad que no tiene nada, porque nadie los representa; y en donde la otra mitad es capaz de vender esa democracia por seguridad (contra el terrorismo, la violencia, etc). Es un país donde díficilmente cada uno se puede reconocer, porque terminamos siendo pequeños y egoistas la mayor parte del tiempo.

No he podido ver este documental de un sólo tirón. He tenido que detenerme y pensar. Me he visto con los ojos mojados, indignándome y contrariándome. Una de las virtudes de este trabajo es su capacidad para mostrar esos años vividos desde distintos puntos de vista, desde la sociedad acomodada (para la que el terrorismo era una noticia en El Comercio), desde los universitarios, desde los campesinos empobrecidos (que tenían al conflicto por pan de cada día), desde las autoridades, los policías, militares e incluso, porque no, desde los guerrilleros. No nos puede dejar de tocar.

De manera episodico y contundente, Pamela Yates, la directora, va mostrando con prolijidad de imagenes y testimonios lo vivido en estos años, teniendo como piedra angular el trabajo de la Comisión de la Verdad. En este proceso, habría que apuntar que en algunos momentos peca en lo sumario y en lo (demasiado) politicamente correcto.

Tras este documental uno no siente que conoce el Perú, pero sí que debería hacer algo por comprenderlo y, talvez, si puede, ayudar a (re)construirlo. Porque como dice uno de los entrevistados "Cuando un capítulo de violencia no es cerrado correctamente, esa violencia continua, se recicla, se transforma". Como para pensarlo en estos días de elecciones.

State of Fear. Documental 94 min. - EEUU, 2005 - Dir. Pamela Yates

Contando Trenes

2006-03-27T23:45:00.000-08:00

Los trenes pasan exactamente a la hora señalada, es la maquinaria perfectamente engrasada en el Tercer Reich, aun cuando es el 45 y las tenezas de los aliados están acorralando a los Nazis, ellos cumples con sus horarios y su disciplina. "Yo lo único que tengo que hacer es jalar de la palancas y dejar que los trenes pasen, y que la vida pase" piensa Milos Hmra, último descendiente de una familia checa de haraganes y aprovechados: su padre y abuelo viven o vivieron de pensiones del Estado, su otro abuelo se la pasó de hipnotista hasta que lo chancó un tanque en el 39. La vida es fácil cuando solo tienes que contar trenes.

Ajustada adaptación de Trenes Rigurosamente Vigilados de Bohumil Hrabal, especie de Bukowsky checo de obras cuasi-autobiograficas. La historia se presenta de manera lineal, pero resuelve de manera correcta los vaivenes temporales de la obra literaria, preservando el humor y la sordidez del original (hoy leí y vi las dos). La película se escamotea la censura de su época e incluso logra alguna escena erótica eficaz (la de los sellos). Las actuaciones son cumplidoras, sin más.

Milos tiene una novia que lo ama, Masa, pero él no puede cumplirle, "eyaculación precoz" le llaman. Después de su propia decepción, debe buscar resolver su "problemita" probando la experiencia de alguna mujer mayor, para lo cual pide ayuda a Hubicka, un mañoso y simpatico empleado de la estación de trenes. Pero en medio de su íntimo conflicto la patria lo llama, la sangre checa, la reinvidicación de su familia. Milos observa trenes, en media hora pasa el tren indicado. No se le debe pasar.

Ostre sledované vlaky. Ficción 91 min. - Checoslovaquía, 1966 - Dir. Jirí Menzel

El Ley del Bushido

2006-03-26T18:45:00.000-08:00

"La profunda soledad del samurai sólo es
comparable a la de un tigre en la selva".

THE BOOK OF BUSHIDO
(El Libro del Samurai).

Jeff Costello lo sabe. Solitario, solo con el cantar de un canario en su habitación, se levanta y planea todo. Sabe como actuar, es un profesional. Nadie lo ve entrar al bar, un disparo, alguien muere. Él es un asesino, mata porque le pagan para eso. Nadie lo ve salir, nadie salvo la pianista. La policía lo detendrá más tarde, pero su cuartada es perfecta. Todo debio salir bien, pero las cosas se complican cuando recibe por paga un balazo.

Entre grises y azules, Alain Delon se desplaza por una puesta en escena minimalista, con las palabras justas y el semblante adusto. La musica apenas acentua cada milimetro de nervio de esta película, que crea una atmosfera opresiva y una sensación de vacío que multiplica el suspense de la historia. El misterio de la historia, la imposibilidad de conocer el porque del crimen, el quién del asesino ni adivinar el siguiente minuto de cinta, la convierte en un noir perfecto.

El lobo herido busca ajustar las cuentas, no traicionará a nadie, ni renunciará a sus principios. La policía lo va cercando, la mafia también. Es un tigre cazado en la selva de asfalto. Se despide de sus amigos, si acaso los tiene. Sabe como actuar, es un profesional. Hay días que son buenos para morir.

Le Samouraï. Ficción 101 min. - Francia/Italia, 1967 - Dir. Jean-Pierre Melville

¿Alguna vez te ha picado una abeja muerta?

2006-03-13T23:35:00.000-08:00

To have or have not. ¿Tener o no tener? Decidir las ataduras, el tamaño de las maletas y el legajo sentimental. ¿Deber o no deber? Ayudar a los romanticos, revivir el corazón, rescatar a la dama en urgencias y de paso rescatarte. Las decisiones serias se toman en dos segundos y con una pistola en la mano, pero ten cuidado, te puede picar como una abeja muerta.

Antes de ver Tener o No Tener, advirtieron en la sala que se parecia a Casablanca, al punto que la tratan como su segunda parte. Y sí, está Bogart como el americano paria, mercenario sin partido hasta que lo arrastre el amor. Está el piano de canciones clásicas y entreñables

"Maybe It Happens This Way
Maybe We Really Belong Together But After All
How Little We Know"

Y también aparecen los Gestapo administrando territorio francés ocupado, territorios exóticos: Martínica, Marruecos; y la resistencia y su hombre que debe sobrevivir; y los amigos entrañables y el bar y las redadas; pero sobre todo, y a diferencia de, está esa mujer.

Aparece saliendo de su habitación, la Bacall, pidiendo fuego, esa mujer, y ya sabes porque se enamoró Harry Morgan y se casó Humphrey Bogart. Y quisieras prenderle todos los cigarrillos de la noche. Los ves juntos y los envidias, se comunican con el cuerpo en los tres besos de la pantalla. Son complices, amantes, son reales, no actúan, ni finjen. Es el amor de verdad. Y la vuelves a ver, a ella, y te enamoras y sólo esperas que un día te encuentres alguien que ya sepa la mitad de respuestas que saldran de tu boca y llegue con un vino a tu cuarto de hotel y te enseñe a silbar...

To Have or Have Not. Ficción 100 min. - EEUU, 1944 - Dir. Howard Hawks

Shadows

2006-02-20T01:00:00.000-08:00

En música una blanca vale por dos negras. ¿Y en la vida ordinaria, a veces, no es así, también? John Cassavetes en su primera película aborda la problemática de las relaciones interraciales centrado el relato en una familia afroamericana.

La película muestra secuencias separadas, en aparente inconexión, que se van uniendo en un corpus que con el tiempo cobra sentido. Los personajes se suceden con frescura y se integran en esta familia de tres hermanos y retrata la anécdota principal: Leila, una mujer que en apariencia no tiene rasgos afros se enamora de un hombre blanco, cuando éste descubre que es negra, la rechaza. Cuando se arrepiente de su actitud, es la familia la que lo rechaza. Racismo blanco vs. Racismo negro.

La película tiene un sensación de avance inexorable, casi musical, muy dinámico. Pero, cada momento está dotado de su propio ritmo, de un fluir particular que está asociado al movimiento corporal de los personajes, a la tensión dramática y al sentido del tiempo. Visualmente se apoya en la cámara inquieta y elíptica que caracteriza el cine de Cassavetes, y en la ciudad de Nueva York con su bullicio y su gente. Del sonido se encarga Charles Mingus, eximio jazzman.

Esta película es un gran jazz actuado. Creo que un mejor nombre que Shadows ("sombras") hubiese sido "escalas" o "octavas", es que no se trata de gente opacada, oscurecida, sino más bien de otros tonos, de otros colores igual de humanos, igual de vividos, igual de sublimes.

La película termina con una gran frase, "Esto ha sido una improvisación". Cassavetes no se equivoca, ha trabajado casi sin guion con personas reales. Pero no se refiere exclusivamente a eso, la película es una improvisación, como lo es la vida cotidiana y como lo es el jazz.

Shadows. Ficción 87 min. - EEUU, 1959 - Dir. John Cassavetes

Las Preguntas del Cine

2006-01-30T18:00:00.000-08:00

Cuando uno termina de ver una película, a veces, no se puede formar el cuadro completo de lo que ha pasado, y no está mal. Muchas veces esas dudas son mucho más gratas que las explicaciones concluyentes (con las que Hollywood aveces nos arruinan la diversión). Además son un grandioso tema de conversación entre apasionados del cine o ¿no?

Aquí, algunas de las que siempre me han intrigado:

01. ¿Qué contiene el maletín en Pulp Fiction?
02. ¿Qué le dice Bob a Charlotte?
03. ¿León y Matilde tuvieron algo en realidad?
04. ¿Blanchet muere y deja a Baby Jane?
05. ¿Qué pasó en Chinatown?
06. ¿Cuál era el 6to replicante? (Aunque esta ya la respondieron)
07. ¿Qué hará Scarlet al dia siguiente?

Si alguien tiene alguna más, que la apunte por favor.

Sans Soleil

2006-01-15T18:20:00.000-08:00

Temáticas que no tendrían porque ubicarse contiguas comienzan a construir un discurso congruente, imaginativo, profundo y humano, a manera de caleidoscopio, de abanico que comienza a cerrarse hasta el centro. Pasan por nuestras retinas: 3 niñas islandesas, gatos, videojuegos, kamikazes tecnicolor, lluvia, bailes africanos, ritos de muerte, la guerrilla, la muerte de una jirafa, aviones, ritos de muñecas rotas, el che, trenes, gobernantes, politica, vida salvaje, la tele, una estatua de perro fiel, gente durmiendo, sombras, etc. ¿Cual es el punto? La memoria, la individual y la colectiva (algunos la llaman historia, otros leyenda). La memoria y el olvido.

Este documental es un ensayo, es un blog - la recopilacion de datos atraves de años y la tematica diversa genera lo mismo qe nuestros binarios trastos de obsesiones -, es un manifesto. Es una obra dificil de ver, pero tambien necesaria de observar y quiza, dificil de olvidar.

Ademas, cada frase, cada "carta", esta bellamente leida, con ideas tan poderosas que por si solas podrian dar para escribir mil cosas mas. Realmente increible. Altamente Recomendable.

Para muestra, un boton:

Narrador: "dicen los rumores que todos los líderes tercer mundistas acuñan la misma frase, la mañana despues de la independecia: AHORA COMIENZAN LOS PROBLEMAS DE VERDAD"

Sans Soleil. Documental 100 min. - Francia, 1983 - Dir. Chris Marker

The Station Agent

2006-01-13T12:10:00.000-08:00

Finbar McBride pierde a su único amigo, hereda una vieja estación de tren. Él no es un hombre común, le gustan los trenes y le gusta caminar. Pero está lleno de rabia, de demonios y algo de desolación -es que se murió su único amigo-. No es un hombre normal, sólo mide 1.34 m. Él camina por los rieles de los trenes: solitario aunque tranquilo, repentinamente las pisadas se pueden multiplicar. Son 2, 4, 6, 8, 10... es un vendedor de salchichas cubano con su padre enfermo, es una pintora con el recuerdo de su hijo muerto, es una bibliotecaria encantadora con un novio problemático, es una niña especial. ¿Qué tienes para darle a los demas? La amistad nace en todos lados... es un tren que pasa lento, en el que todos podemos montar... si te animas...

Joe: La gente como tú, no tiene clubes?
(Finbar es enano, para los que no estuvieron atentos)
Finbar: A que te refieres?
Joe: Los que les gusta los trenes
Finbar: Sí, tenemos clubes: vemos fotografías y a veces películas

Sí, amistad en las vías del tren.

The Station Agent. Ficción 88min. - USA, 2003 - Dir. Thomas McCarthy

Fast, Cheap & Out of Control

2006-01-11T20:25:00.000-08:00

¿Qué tienen en comun un domador de circo, un investigador de robótica del MIT, un jardinero de animalitos (al estilo eduardo manosdetijeras) y un entusiasta de la rata-topo sin pelo del África? Todos construyen sus mundos en base a sueños, todos buscan la naturaleza humana a través de su vida, todos se explican el universo desde su propias perspectivas, todos son freaks, y aun asi son entreñables... ¿Cuándo fue la última vez que sabias que estabas haciendo? ¿cómo sabes que estas vivo? ¿Qué es el futuro, el pasado? ¿Ganamos, perdemos?

Errol Morris nos muestra como en un collage estos personajes en medio de imagenes y música divinamente editada: cine de serial y mundo de circo, animales de verde hoja, robots, topos...

Este es un documental feliz, un documental que hace pensar, gracias Errol, gracias a cada uno de estos marcianos que se dejo entrevistar. Los elefantes nunca bailaron con más gracia.

Fast, Cheap & Out of Control. Documental 80 min. - USA, 2005 - Dir. Errol Morris

Lila, el ángel

2006-01-04T22:00:00.000-08:00

¿A que tengo cara de ángel? Todos lo dicen. ¿Ves mis ojos? Tan claros y azules, les entregarías el alma. Y el pelo, ¿lo ves? Rubio como el de un ángel,la piel blanca.(...) Mi tía dice que viene de lejos, al menos cinco generaciones. (...) Soy como un Ferrari en un desgüace.(...)¿Te enseño mi conchita?

Lila dice eso y muchas cosas más. Lila pasea en su bicicleta con Chimo, el chico que le gusta, y nos enseña que el amor no es inocente, que no todo lo que se dice se hace, o como Chimo: que no todo se puede decir o escribir.

Vahina Giocante compone una hermosa e inquietante Lila, con reminicencias de la presencia de la Lolita de Nobokov/Kubrick o la locura de Catherine del Jules et Jim. la seducción/atracción/rechazo entre los dos jóvenes de diecinueve se plantea a través del juego de palabras chocantes y provocativas como la propia figura de Lila. Un gran logro del guión adaptado del libro homónimo.

La cámara siempre está explorando, a veces quieta, a veces en movimiento, con angulos pícados, encierran a los jóvenes en los confines del vecindario inmigrante (musulmán) donde se desarrolla, como se desarrolla también la vida y la sexualidad. Pero... el diablo mueve la cola.

Entonces, Lila dice, yo sólo escucho (y veo).

Lila dit ça. Ficción 89 min. - Francia / Inglaterra - Dir. Ziad Doueiri

Fiat Lux

2006-01-03T18:50:00.000-08:00

Fiat lux

Y se hizo la luz.Un haz de luz, un haz que se proyectaba infinitamente sobre la oscuridad. Sí, un rayo. Lo vimos inmaculado y hermoso.

Colocamos delante suyo imaginaciones, trasparentes pedazos de realidad o de irrealidad se intersectaban con el haz, era la añoranza del fuego, revoloteaba el cambio en el aire, la luz mutaba con formas lentas o violentas, a ritmos monotonos, asincronos, danzantes.

Sin darnos cuenta, el haz ya no se iba hasta el infinito, no es escapaba sino más bien, se quedaba con nosotros y nuestros ojos no se iban de él. Era el extasis, la catarsis.

Entonces, empezamos a formar palabras, palabras de luz. El haz comenzó a hablarnos, sin sonidos primero, sin colores. Luego aprendió a danzar con nosotros y entendimos su voz, su voz que era nuestra voz. Y nos mostró sus colores, que eran nuestros colores. Y nos contaba secretos, leyendas, las cosas que habiamos olvidado y las que nunca descubriremos; nos contaba horrores, nos contaba ensueños, nos contaba nuestras vidas, las anteriores, las actuales, las que están por venir.

En un momento, sentimos que no estabamos solos, que todos los hombres estaban viendo en esa oscuridad, en ese gran vientre de madre que es la negrura total mientras nos hablaba la luz, y la luz era la voz de los maestros, la voz de los brujos, la voz de los Dioses, la voz de los Hitchcock, de los Welles, de los Kurosawa, de los Chaplin, de los Einsenstein, de los Saura, de los Godard, de los Buñuel, de los Eastwood, de los Tarkovsky, de los Ford, de todos esos héroes que aprendieron a bregar con la luz...

Así, señores, es como nació el cine.

King Kong

2006-01-02T16:30:00.000-08:00

Ver King Kong es una experiencia entrañable, casi infantil. Peter Jackson nos brinda algo que se está olvidando en el cine actual: espectáculo, es decir ilusión, fantasía y esas historias que se cuentan y repiten, siempre. Es la experiencia primigenia del cine y del relato: pura fantasía. Jackson nos pide que suspendamos la lógica y nos entreguemos a la idea de un mono gigante, sus dos islas: la de concreto y la de dinosaurios, y al romance de la bella y la bestía. Diversión y fantasía. Eso se agradece.

Jackson, además es un gran cinéfilo, - ver su falso documental Forgotten Silver, para más referencias -, y por eso siembra de iconos filmicos su película desde el primer fotograma hasta el último, como muestra está las ropas a lo Monroe de Ann Darrow en la parte final del film. Jackson es un buen narrador que se las ingenia para mantener en vilo a la audiencia durante tres horas alternando momentos de acción trepidante con otros de tenor sentimental e intimista. Aun así, el film y la fórmula van perdiendo fuerza en la última media hora.

Las actuaciones de Watts, Black y del gorila (Serkis) están muy bien logradas, sin embargo Brody no logra dar la talla, porque sus escenas y la historia de amor de su personaje son construidas de manera sumaria y poco articulada. Otro punto a favor en la película son la música y la ambientación.

Pero, es el CGI y sus cromados los que se notan en varios pasajes de la película y le restan verosimilitud (no hablemos de realismo). Particularmente la falta de posicionamiento político también me molesto, pero como dije líneas arriba, creo que ese no era el objetivo de Jackson. Esta no será una obra maestra, ni una pequeña joya como otras del director, pero es una muy buena película.

Tras la proyección, la gente salió descontenta, "que feo final", "no pasa nada" o "tan largo para eso" fueron las frases comunes. Es una pena lo que blockbuster tras blockbuster está haciendo con el gusto y la mente de la gente.

King Kong. Ficción 187 min. - Nueva Zelandia / USA, 2005 - Dir. Peter Jackson

Asesinos por naturaleza

2005-12-08T13:33:00.000-08:00

Esta es una de las películas que despertó mi interés por el cine y definió mis gustos dentro del séptimo arte.

Asesinos por naturaleza me expusó el mal como parte del equilibrio, me mostró el amor desde un punto de vista jamás imaginado, me hizo pensar concretamente y por primera vez en fuerzas reales más alla de nosotros mismos, en el destino, el karma y en una extraña reinvindicación del mal. A la vez me reveló una forma de hacer cine difrente, novedosa, no acostumbrada que se convertiría luego en algo como una nueva corriente de hacer audiovisuales, lo digo tanto por la forma como por el fondo.

Entre las mejores escenas a mi parecer están la del encuentro con un chaman en medio del desierto y la entrevista en la carcel al protagonista, donde se hace una interesantísima exposición de lo que es o no es el mal.

Asesinos por naturaleza se ha convertido en una película de culto (¿o no?) y ha pasado ha formar parte de las infaltables para aquellos que quieran conocer el cine rebelde, experimental y diferente.

Asesinos por naturaleza. Ficción 118 min. - EUA, 1994 - Dir. Oliver Stone

París, Texas - Vacío, Desolación

2005-12-03T10:04:00.000-08:00

Las coordenadas terrestres y el GPS no sirven cuando caminas en un desierto personal, sin brújula y sin motivaciones. Sin embargo, en algún momento tendrás que ver para atrás, afrontar tus demonios y saber que camino tomaste y así puedes llegar a ser (hacer) alguien más.

Las películas de Win Wenders nunca han sido fáciles, su discurso tiene varios niveles y muchos referentes soterrados. Pero, Paris, Texas conjuga la extrañeza de sus personajes con la familiaridad de la familia, que valga la redundancia, y gracias a ella logra conectar facilmente con el espectador. Un hombre que busca entender su vida, un niño buscando una familia, amor regado por todas partes y más. La incomunicación en los espejos y los vidrios en nuestros rostros y la verdad en la voz de la conversación.

Además, entre sus muchas cualidades cuenta con una banda sonoro mínima pero indispensable, una magnífica fotografía, con verdes y rojos que dán las directrices de un semáforo imaginario, y grandes espacios rurales y suburbanos que son el reflejo de la desolación personal del personaje principal Travis, que dicho sea de paso, tiene la increíble interpretación de Harry Dean Stanton.

Un western emocional donde nadie muere, no hay malos ni buenos y si algo se dispara son las emociones y las lágrimas. Cuando los demonios se disipan, la misión ha concluido. El jinete se irá solo y desolado. Imprescindible.

Paris, Texas. Ficción 147 min. - Francia / Alemania Occidental, 1984 - Dir. Win Wenders

Dos conversaciones

2005-11-29T21:45:00.000-08:00

Woody se pregunta si la vida es una tragedia o una comedia; yo sólo quiero saber si la vida es una película o algo más. Es que a veces la realidad parece cine, o sino el cine parece realidad, sólo hay que estar atentos para no dejarse confundir.

Aquí dos momentos chapados al azar:

Escena 1

Chico y Chica en un bar, probablemente tomando café

Chica: me siento culpable
Chico: ¿por qué?
Chica: mi novio está allá y nosotros estamos aquí

Chico y Chica se dan un beso

Chico: es lo que tenemos
Chica: sí, ¿tú estás sólo?
Chico: siempre
Chica: ¿siempre de siempre?
Chico: siempre

ambos se quedan callados

Chico: eso sono como a película

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Escena 2

Dos amigos conversan mientras esperan una clase en la universidad

Amigo 1: Te imagino escribiendo con el hongo rojo
Amigo 2: ¿El hongo rojo?
Amigo 1: Sí, como los escritores antiguos... no has visto que en las historias de niños siempre había un hongo rojo... como en Alicia en el País de las Maravillas
Amigo 2: ¿Cómo así?
Amigo 1: Es que los escritores comian eso para proyectarse pues
Amigo 2: Yo no comí ni mierda
Amigo 1: Pero el texto está proyectado
Amigo 2: ¡Ja!
Amigo 1: Sino porque crees qe los pitufos vivian en los hongos...
Amigo 2: ¿osea qe eran azules por pastrulos?
Amigo 1: Por lo menos, deberían estar pasados

Risas

Juzgue Usted.

Un Día Sin SeXo

2005-11-27T16:49:00.000-08:00

El amor contada desde cuatro perspectivas, 8 corazones: comienzo, encuentro, desencuentro, final. Cuatro parejas que deciden algo o no deciden nada, se conocen un poco mejor o se comienzan a desconocer. Sí, el amor, ¿y el sexo? Si se puede habrá algo, sino será otro día... sin sexo. "Lo siento jugador, así es el fútbol", diría un pelotero.

Las cuatro historias se sostienen sobre la conversación y son desarrolladas en montaje paralelo. Así se respira una cadencia rápida y agradable; que tiene cierta referencia al cine de Woody Allen o de Cassavettes. De las historias, las dos de jóvenes adultos son las que se desarrollan mejor, quizá porque Perez-Garland, el director, comparte edades (y contacto) con ellas. La historia de iniciación sexual de los más jovencitos y de redescubrimiento de los cincuentones terminan cojeando, por falta de minutos de desarrollo o de fuerza en el conflicto. Sin embargo, todas las actuaciones están muy bien logradas, sobretodo las de Saba y Ciccia.

Filmada en HDV, es decir digital, no falla en la fotografía aunque en algunos momentos se siente el abuso del primer plano. El soundtrack de Mar de Copas potencia las imagenes las más de las veces, cuando no es por la falta de variedad en el registro vocal. Al final, la solvencia con que se cuentan las historias, hace que uno no se despegue de ellas hasta que terminan. Aún en las escenas de calateo, las carnes son lo que menos importa.

Un Día sin Sexo, es una auspiciosa opera prima que nos deja esperando por más, por la próxima de Perez-Garland. Bien por el cine peruano.

Un Día sin Sexo. Ficción 90 min. - Perú, 2005 - Dir. Frank Perez-Garland

Infierno en Bagdad

2005-11-24T03:30:00.000-08:00

La guerra siempre será la misma, siempre habrá una buena razón para emprenderla: causas económicas, políticas, morales (la cruzada o la libertad), siempre habrá alguien que vaya a lucharla para que otro se beneficie de ella.

La guerra siempre será la misma, siempre tendrá víctimas: niños que corren, que dejan el colegio y entienden que el mundo se cae a pedazos, literalmente; siempre las familias llorando, lamentando al hijo desaparecido o la privación del hogar. Siempre, las casas destruidas y los tanques prepotentes. La locura, el dolor, el desgaste, los ojos esperando a que pase algo, el reclamo silente y más muerte.

Corcuera nos muestra con extraordinaria sensibilidad la vida dura en el Iraq intervenido, centrándose en la experiencia de los niños, de los heridos y de las familias que han sobrevivido a las muchas guerras de ese convulsionado territorio, compartimos la impotencia y frustración de los médicos que no pueden salvar a casi nadie, somos parte de la lucha diaria por la sobrevivencia.

Cuando se escucha a una niña decir "La guerra es la muerte", se acaba la teoría, la guerra es de verdad y es la verdad. Lo dice con los ojos de un pueblo que mira a lo lejos, esperando que algo pase, mientras ruegas que el siguiente fundido a negro del documental no acabe en otro misil, que no se lleve a su vecino o su padre.

Este Invierno en Bagdad ha sido crudo, más crudo que los otros, no ha habido electricidad ni petroleo, no más del que hay bajo tierra. No ha habido libertad, ni paz. Este invierno ha sido un infierno.

Pero, Bagdad existe desde 1145, el Tigris serpenteando a sus pies. Se ha sobrepuesto a mil batallas, esta no será la diferencia. Lo dicen los ojos de los niños: sobrevivirán porque viven con esperanza y a esa no se la mata con balas.

Invierno en Bagdad. Documental 80 min. - España, 2005 - Dir. Javier Corcuera

Memento

2005-11-20T11:18:00.000-08:00

"Apuntar las cosas importantes"," sacar fotografías de personas y lugares", "mataron y violaron a mi esposa", "de ahora en adelante solo vivo para vengarme".

Él busca venganza, pero ha perdido la memoria inmediata, recuerda toda su vida hasta el día del insidente con su esposa, sin embargo lo que ocurre de ahí en adelante lo olvida instantaneamente, a menos que lo anote o registre en algo que después le haga recordar.

Memento es una película que atrapa desde el inicio, el orden en que está contada nos compromete con las sensaciones que pueda estar viviendo el protagonista. Es por eso que confunde, enreda y da la sensación de estar perdido en medio del laberinto de una memoria destrozada que sigue las pistas de una historia que puede ser real o inventada.

Es una historia sencilla relatada de una manera intrigante, donde los personajes son gente común que de a pocos van llegando al extremo, revelando lo que seríamos capaces de hacer o ser cada uno de nosotros.

Memento es de esas peliculas extrañas y buenas que se ven sólo de vez en cuando.

Memento, Ficción 116 min. - USA, 2000 - Dir. Christpher Nolan

La Crítica

2005-11-16T08:19:00.000-08:00

No me gusta la crítica, he estado leyendo algunas páginas web y viendo programas dedicados a esto para saber como se hace, pero me he desepcionado. Los críticos se toman muchas libertades y más que nada exponen su propia persepción de una pélicula, es decir, si no les gusta la acción van a decir que cualquiera de estas son malas y van ha estar alavando siempre lo que a ellos les agrada. Luego eso de criticar la manera de hacer algo, o sea el lenguaje, también es meter las narices donde no les importa; toda creación artística es una manifestación muy personal y en estos tiempos donde el lenguaje (que podría ser una regla) es transformado, adapatado destrozado y reconstruido, esto es más obvio. También está el respeto por los precesos de los creadores, al fin y al cabo la perfección es la suma de los errores.Por eso más bien voy a invitarlos a ver películas y después, si quieren, nos podemos reunir para hablar de ellas.

Tarnation

2005-11-09T14:30:00.000-08:00

Para querer mostrar tu vida, hay que tener espíritu de veddette.
Para grabar tu vida desde los 11 años, hay que ser egocéntrico.
Para decir que eres gay, que has vivido en casas de adopción donde abusaron de tí, que tu madre sufre esquizofrenia y decirle al mundo que aun así la quieres y que la vida te parece maravillosa, hay que ser humano y hay que ser valiente.

Tarnation significa "Condición de estar condenado" y es la autobiografía de Jonathan Caouette. Sus personajes son su familia: él, su madre, su abuelo, su novio. Ellos no actúan, solo viven. La narración se completa mediante pantallas negras, fotografías familiares, pedazos de películas, música y mucho alucine. Todo muy pop y muy personal.

La edición realizada en I-movie, un software gratuito de la Mac, aporta ese medio camino entre lo profesional y lo empírico que, además, se respira en las imágenes VHS y hi8 que pueblan el documental. Son imágenes saturadas, multiplicadas, desordenadas, movidas, fuera de foco, multiplexadas, íntimas, personales y descarnadas. No se puede exigir nada: la vida es así.

Tarnation, un documental misio que costó de $218.32, pero que vale mucho, mucho más.

Tarnation. Documental 88 min. - EEUU, 2003 - Dir. Jonathan Caouette

Raimondi

2005-11-05T03:20:00.000-08:00

Ext – Parque – Noche

(...)

A y B están tomando licor, en una botella de gaseosa, sentados bajo un árbol en el parque. Después de un silencio estúpido

A: No dicen pes, que el Perú es un mendigo sentado en un banco de oro... jajaja

B lo mira incrédulo y se sonríe irónicamente

B: ¡Ja! Esas son huevadas, ¿sabes qué es el Perú? el Perú es un borracho de mierda, tirado en la calle, que se desangra y se caga y se vomita, y que cada vez que se quiere parar se resbala en su propia sangre y en su propia mierda… eso es el Perú weon!… Lo de Raimondi es pura mierda pa los lornas… eso era en otros tiempos

A: ¿entonces y la banca?

B: La banca se la llevaron los gringos hace rato…

(...)

(de un corto qe aun no escribo)

nota explicatoria: hay una frase celebre de Antonio Raimondi (1826 - 1890), invetigador italiano - amante del Perú, que dice "El Perú es un mendigo sentado en una banca de oro"

Bob & Charlotte

2005-10-30T18:50:00.000-08:00

Ella está buscando, él ya se cansó de buscar. Los dos están perdidos. La conexión se hace en cualquier sitio: un ascensor, la mesa del bar, en el fondo de un whisky. De ahí, de ahí puede pasar cualquier cosa, ya no importa, ya no estarán perdidos nunca más.

Lost in Translation es una busqueda, una suerte de viaje iniciatico en medio de una ciudad incomprensible, en medio de tecnologías apabullantes, neones erráticos, silencios milenarios y una enorme estructura de cemento que se aprecia desde una ventana: Tokyo, que no es Tokyo, Tokyo es la escusa. La incomunicación, la duda y la busqueda están en cualquier lugar, sólo que allí es evidente y pausible, ese es el aporte de la ciudad.

Bill Murray compone una personaje entrañable con los gestos exactos y los silencios justos. Una especie de Bogart postmoderno. Lo acompaña una sorprendente Johansson que antes que dejar brillar su innegable belleza, prefiere componer una compleja niña perdida en el bosque (de sus decisiones): Ha estudiado filosofía, pero compra productos de autoayuda; está casada no sabe porqué. Estos personajes con sus relaciones y sus diálogos se van haciendo entrañables y reales a medida que pasan los minutos de la historia.

La simetría de los encuadres que recuerdan los viejos grabados japoneses y grafican el equilibrio buscado potencian las sensaciones de la película que se nota la directora, Sofía Coppola, ha interiorizado, vivido posiblemente, y mostrado de la manera más auténtica posible. Una película sobre desencuentros que uno no debe dejar de encontrar.

Ah! El final es de antología, va para mis escenas favoritas (hey you!).

Lost in Translation. Ficción 102 min. - EEUU / Japón, 2003 - Dir. Sofía Coppola

Lima Was!

2005-10-29T19:16:00.000-07:00

"yo no bailo eso, eso es pa cholos"

Un cerro con casas, un cerro iluminado con luces naranjas como arbol de navidad. Es la nueva Lima. Lima de migrantes. Ahí se celebra el Concurso Nacional y Oficial de Huaylarsh, uno de los bailes andinos, huancainos más representativos de la zona central del país. Dos grupos son los favoritos "Los guapos del centro" y "Defensor Gloria" solo uno será campeón.

El documental sigue, a contrapunto, los preparativos y ensayos de cada grupo, ahonda en sus motivaciones y en lo que representa para cada cual bailar huaylarsh. Escuchamos a los jefes, escuchamos a los danzantes. Al ex pandillero, a la niña que le parecía "mal" bailar huaylarsh y ahora ya no lo puede dejar, al morenito que aprendió que también tiene algo de cholo. Y febrilmente vivimos cada zapateo, cada guapeo, cada canto y cada baile. La sangre es básica en este documental, quiero decir la raza: no hay un solo rostro "televisable", todos son cholos, alguno es negro. Se siente un Perú de verdad, uno que no siempre se puede ver. Mientras sudan en cada ensayo y se desviven, se pelean, se amistan, se ponen las polleras o los sombreros, se transpira los sueños y la catarsis de los protagonistas; y sabemos que las tradiciones cambian pero sobreviven.

Cuando perseguimos un pequeño sueño, perseguimos el sueño de todos. Cuando nos queremos por lo que fuimos y lo que somos , nos querremos por lo que seamos, de hecho: algo mejor.

"Cuando escucho el huaylarsh, me pica el cuerpo no puedo dejar de bailar"

Un documental para la peruanidad. A ritmo de saxo y arpa, guapeamos: ¡Perú, was!

Lima, Was! Documental 58 min. - Perú, 2005 - Dir. Sandro Rossi